Camila Regina Magna: Fuentes iconográficas e iconología

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El palacio de Riquelme, situado en la jerezana Plaza del Mercado, constituye uno de los ejemplos más importantes de la arquitectura renacentista en la ciudad, suponiendo un importante hito por la inclusión en su programa iconográfico de elementos provenientes de la cultura humanista. En su fachada hay constantes referencias a los héroes y dioses clásicos, pudiendo reconocerse a Hércules y Teseo, alguno de los trabajos de Hércules, o diferentes dioses y diosas de la mitología clásica, todos ellos con un claro simbolismo moral y aleccionador.

Entre las referencias humanistas se colocan cuatro tondos, mostrando todos ellos las efigies de personajes que por su carácter positivo o negativo, han de servir de ejemplo al espectador, en la línea de los huomini ilustri, tan en uso en el renacimiento italiano, y que da lugar a auténticas colecciones de estampas y grabados mostrando dichos personajes.

Ya habíamos identificado alguna de las fuentes en las que se basan los relieves del palacio jerezano, como es la efigie de Constantino, cuyo modelo lo encontramos en la fachada de la Cartuja de Pavía. Sin embargo, no es esto lo que nos pareció más importante a la hora de hacer la interpretación iconológica. Lo que importa es el sentido que adquiere cada una de las imágenes en un contexto determinado, al dotársele de un valor semántico, al margen del origen o fuente en que esté basado.

Es de todos sabido que las estampas y grabados circulaban por los talleres de los maestros constructores y los escultores buscando modelos en los que fijarse. Nihil novum sub sole. Es evidente que siempre hay unas fuentes en las que se basa el artista, el comitente. Algunas veces son fuentes literarias, otras, muchas, son fuentes icónicas.

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En el programa iconográfico desarrollado en el Palacio de Riquelme, la fachada está dividida en dos partes complementarias, el lado femenino y el lado masculino, en alusión al matrimonio que lo habita. Hay una contraposición entre ambos, entre la virginidad y castidad, que es lo que se pide, valora y exige en una mujer, y el lado masculino, caracterizado por el valor, la fuerza, el orgullo. En ambos lados se multiplican las figuras y escenas alusivas a ambos caracteres. Nabucodonosor se contrapone a Constantino, y Camila a Rómulo y Remo. Hay que hacer notar que tanto la corona de Nabucodonosor, como el casco de Camila están decorados con pequeños relieves alusivos a su simbolismo. En el de Nabucodonosor se le representa comiendo y arrastrándose como los cerdos, en alusión al castigo sufrido por el monarca a causa de su orgullo. Camila, la reina virgen de los volscos, luce en su casco la lucha entre centauros y lapitas. Es sabido que dicha lucha simboliza el triunfo de la razón y la virtud frente al carácter brutal y lascivo de los centauros. Es en este sentido que se entiende dicha lucha, allí donde es representada, incluido el Partenón, y con igual significado.

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Los centauros son representados, en esa misma fachada en la escena del rapto de Deyanira por el centauro Neso, que será la causa de la muerte de Hércules a causa de su lujuria. No hay que olvidar que hay dos parejas de dioses flanqueando los relieves de los trabajos de Hércules. Minerva se contrapone a Marte, dios de la guerra, y Venus se empareja con su marido Vulcano, quedando frente a frente Afrodita y Ares, los amantes, símbolo de la lujuria.

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Todo el conjunto remata en ese magnífico conjunto situado en ambos lados: el unicornio arrodillado ante la virgen. La castidad, la inocencia, vence a la ferocidad y brutalidad del animal, que sabe reconocer a la virgen, humillándose en su regazo.

Recientemente se ha encontrado la fuente iconográfica de Camila. Nada aporta al mensaje contenido en la fachada. Es cierto que la lucha de centauros y lapitas se ha empleado en múltiples casos, pero siempre con el mismo significado y valor simbólico.

No se puede confundir iconografía e iconología. En la iconografía es importante lo representado. E incluso puede ser interesante su fuente iconográfica, ya sea literaria o gráfica. El análisis iconológico va mucho más allá. Las imágenes son un lenguaje que hay que entender, independientemente de donde se hayan copiado o cuales han sido sus fuentes inmediatas o últimas. La cultura humanista supo adaptar las imágenes clásicas a sus necesidades. Nosotros debemos de entenderlas, y no quedarnos en su simple descripción, o filiación. No es ese el sentido con el que fueron puestas. No interesaba al artista mostrar sus fuentes. Era al comitente al que le interesaba exponer un programa que iba más allá de la simple erudición. Era un problema social y de prestigio. Entenderlo de otra manera es no entender el espíritu del arte y el momento que lo hizo posible.

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A Estátua e a Pedra

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Hoy he vuelto a leer, después de varios años, y muchas más lecturas, una obra de José Saramago, muy poco conocida, y creo que no traducida al castellano, al menos en España. Se trata de A Estatua e a Pedra. Una reflexión sobre su propia obra, que llevó a cabo en 1998 en la Universitá de Torino, en un congreso sobre la escultura portuguesa. ¿Qué hace Saramago hablando de escultura? eso mismo se pregunta él.

Saramago considera que toda la obra, su obra, pero podíamos ampliarlo a la obra de cualquier autor, de cualquier escritor, o de cualquier artista, guarda una relación entre sí, que no conoce ni el propio autor, pero las obras se van imbricado unas en otras , se van haciendo, se van creando cuando son necesarias, no antes ni después.

Al hablar de su obra, considera que las primeras. Manual de Caligrafía y pintura, Casi un objeto, Levantado del suelo, Memorial del Convento, El año de la muerte de Ricardo Reís, podrían considerarse como la estatua. Es decir, una estatua es un bloque de piedra al que se le va quitando lo que le sobra, en palabras de Miguel Ángel. Las obras son mas o menos bellas, mas o menos hermosas, mas o menos perfectas, pero son objetos creados con piedra, y en eso se quedan. Sin embargo, a partir de Ensayo sobre la ceguera, Todos los nombres, etc., estas obras ya son la piedra. El autor ha dejado de prestar atención a la forma, al envoltorio, para fijarse en lo que realmente le interesa, le ha interesado siempre, la piedra, el material con el que se construye la obra, el ser humano. Un ser humano que ha sido siempre el objeto último de la obra de Saramago, pero que en estas últimas, que después se verán ampliadas con La caverna, Ensayo sobre la lucidez, Las intermitencia de la muerte, etc., lo que interesa realmente es el análisis del ser humano, de su sufrimiento, de su esencia, con sus cosas buenas y malas.

Esta reflexión me ha llevado a mirar atrás, hacia lo que escribimos todos los días. Todos los autores, cuando escribimos, sea lo que sea, un artículo, un libro, una entrada del blog, lo escribimos en un momento determinado porque sentimos la necesidad de expresarnos, en un momento determinado y de una forma determinada. Los escritos, las obras, ocupan el lugar que tienen que ocupar. Sin mas.

Como historiador de arte he escrito artículos, libros, en periódicos o en páginas WEB. Todo forma parte de un todo unitario. es verdad. Cada uno es hijo y esclavo de su pensamiento, de su formación, de su ideología. ¿Pero que han sido, estatua o piedra? No es fácil decirlo.

No me ha importado nunca el autor, el estilo de una obra. No me sirve de nada saber datos referidos a una obra que en definitiva me puedan decir poco de ella. Siempre he tratado de interpretar la obra, de buscarle un significado, aunque se, positivamente, que esa obra no estaba destinada a que yo, o gente como yo la entendiera y la interpretara. He traicionado al arte, sí, pero conscientemente, a sabiendas.

Porque a mí tampoco me ha interesado la estatua, siempre he pensado mas en la piedra, en el ser humano. Ojalá lo haya conseguido.

El Palacio

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¿Qué es un palacio?, ¿Qué idea tenemos todos de lo que es un palacio?, ¿Cual podría ser  su definición? Las preguntas parecen un poco absurdas. Todo el mundo sabe lo que es un palacio. Una casa grande, un edificio ostentoso donde habita alguien con un fuerte poder económico.

Esta definición, que podemos dar por buena, resume de alguna manera todo el significado las connotaciones que tiene un palacio. A lo largo de la historia, desde los primeros tiempos de la arquitectura, la clase dominante ha querido dejar patente por medio de la edificación, la diferencia de estatus social que existe entre los habitantes del palacio y el resto.

Al ser un edificio grande, de dimensiones no habituales, se está demostrando un poder económico superior al del pueblo. este poder económico implica, al mismo tiempo, una diferencia social. No todo el mundo puede entrar. Se marca una diferenciación entre el dentro y el fuera. La puerta, es el límite, la frontera entre el pueblo y los dueños moradores del inmueble. No todo el mundo puede traspasar esa línea, como tampoco se puede traspasar la de los templos.

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Pero hay algo mas. A veces, como en los ejemplos que hemos puesto,el palacio de Riquelme, o el de Bertemati, uno del siglo XVI y otro del siglo XVIII, las fachadas están profusamente decoradas con imágenes y símbolos de muy difícil interpretación, aun hoy en día, resultando su lectura un auténtico enigma para la mayor parte de los espectadores que las contemplen, los cuales ven en esta decoración sólo un adorno, encaminado a embellecer la obra arquitectónica, pero sin concederle mayor valor que el mero valor decorativo.

Pues bien, en esta decoración ahora reconocemos que hay un mensaje, que los elementos ornamentales contienen un valor simbólico, un mensaje, en la mayoría de los casos, de una gran profundidad, con conocimientos de filosofía, teología y, por supuesto, con un fin moralizante. Cuando el espectador normal que constituye el pueblo llano ve estos elementos decorativos, y no haya en ellos mas valor que el de simples adornos, el dueño del edificio, el comitente que ha encargado la obra, ve cumplido otra de sus intenciones diferenciadoras, como es la segregación cultural. Es un arte realizado por una élite, no sólo económica, sino también cultural, encaminado a ser entendido por otros elementos similares, de la misma élite cultural. El pueblo queda excluido. Está condenado a la ignorancia. En el palacio se produce una doble exclusión, por un lado espacial: dentro y fuera, pero por otro, mucho mas sutil y elitista, cultural: entender o no entender.

La cultura siempre ha sido el patrimonio de unos pocos. El negar el acceso al conocimiento es el intento deliberado de mantener sojuzgada a una clase social, con una cadenas mucho mas fuertes que las físicas, como es las de la ignorancia y falta de conocimiento.

No nos resignemos. La cultura, el Patrimonio, es un derecho, no un privilegio.

 

Águila y Serpiente

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Prisioneras en la piedra que les asegura la posteridad, aunque no la eternidad, el águila y la serpiente mantienen una larga, interminable, lucha, cuyo final, conocido, le resta interés y credibilidad. Es la eterna lucha entre el Bien y el Mal, ¿dónde está uno y otro? entre la Virtud y el Vicio, ¿Quien dice cual es cada uno?

Sin embargo, o bien posadas en el suelo, lo que augura una lucha mas encarnizada, y tal vez mas incierta, o ya en pleno vuelo el águila, portando en el pico el cadáver lacio del reptil, lo que hablaría del triunfo definitivo de de la Virtud, que se eleva libre ya, por fin, de las tentaciones, ambos animales están condenados a un enfrentamiento eterno y cruel, en el que las opciones del reptil son escasas, por no decir que nulas.

¿Por qué la serpiente es la representación del Mal? ¿Acaso el reptil no representó un papel que tenía ya previamente asignado? ¿Quien asigna los papeles en el teatro?

No parece que exista la justicia ni la razón en algunas cosas, en algunos párrafos, en algunos episodios. ¿Se condena al actor por representar un papel?

Lo cierto es que esta lucha eterna figura en muchas fachadas de palacios. Los dueños, prototipos de ciudadanos acomodados y biempensantes, pertenecientes a una élite económica, pero que intentan serlo también social, y sobre todo, moral, quieren dejar claro, patente, que en la lucha contra el vicio y la maldad, ellos siempre saldrán victoriosos, triunfantes, no como aquellos que ajenos a ese mudo privilegiado, ha de pasar ante las portada del palacio, ajeno al significado de una iconografía que no entiende, pero que admira por lo mucho que debe de haber costado, y si esos símbolos los emplean la gente rica e influyente, deben de ser algo bueno y deseable.

Pocas veces el arte estuvo tan al servicio de una clase dominante, como sucede con la arquitectura civil privada. Sería interesante conocer la verdadera historia de los dueños de estos palacios. Tal vez pudiéramos llevarnos una gran sorpresa. Mientras tanto, sigamos admirando, y estudiando unas obras que, al margen de la realidad, nunca reflejada, nos hablan del ansia del ser humano, sobre todo cierta clase, de situarse por encima de la sociedad a la aun pertenece, y de sus esfuerzos por aparentar algo, que en algunas ocasiones les ha podido llevar a la ruina.

Arte y feminismo

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Arte y mujer parece que son dos términos que van indisolublemente unidos. a lo largo de todas las etapas de la historia la mujer ha sido profusamente representada, tanto en pintura como escultura. Parece que la mujer debería de sentirse orgullosa del papel representado en las artes. Sin embargo, si prestamos un poco de atención a las representaciones de la mujer en las diversas épocas del arte, y me estoy refiriendo ahora al arte occidental, siempre se ve como un objeto de deseo, de pecado o de perdición.

Eva, la pecadora, la tentación, el pecado, la causa de todos los males de la humanidad, la que ofrece al hombre la manzana que le hará caer en la tentación.

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O esta imagen auténticamente provocadora que sustituye e Cristo en la cruz, ante la mirada atónita y aterrada de San Antonio.

Son muchos los ejemplos de mujeres representadas en el Arte. Parece que la mujer es la protagonista absoluta de las representaciones artísticas.

Una mirada a los libros de Arte nos pueden dar la respuesta. ¿Cuántas veces es representada la mujer, en sus distintos y diferentes aspectos: desnuda, vestida, como alegoría, como imagen de culto, etc.? miles, millones de veces. es algo incuestionable.

¿Cuántas veces es la mujer la autora de la obra de arte?, ¿cuántas es ella la comitente, la mecenas? Pocas, muy pocas, casi ninguna. Los nombres de mujeres son prácticamente inexistentes en la historia del arte. ¿Han sido ajenas a este mundo? Oficialmente sí. No han existido apenas mujeres artistas, pero sin embargo nada mas lejano a la realidad.

La mujer ha estado siempre presente en el mundo del arte. En los talleres medievales estaban  representadas en los diferentes gremios de artistas, pero sin embargo, su condición de mujer le impedía figurar en los contratos o incluso, mas tarde, firmar sus obras. Son ellos, los padres, maridos, hermanos, los que firman las obras realizadas por las mujeres. si pudiéramos ver los auténticos autores de las mas famosas obras de arte seguro que nos llevaríamos grandes sorpresas al comprobar las manos que las realizaron.

Tal como dice Virginia Woolf, ¿y si Shakespeare tuviese una hermana, la auténtica autora de los textos de Williams? Lo mismo que sabemos que la Roldana no podía firmar sus obras, lo cual hacía el mediocre de su marido, es probable que muchos artistas hombres oculten a las verdaderas artistas mujeres.

La mujer es la gran ausente del Arte. Es “ese oscuro objeto de deseo”, representado hasta la saciedad, pero hace falta un verdadero estudio de la historia del Arte desde el punto de vista de género.

El hombre nunca ha permitido, hasta hace bien pocas fechas, que la mujer tuviese acceso a ciertas profesiones y oficios que él se ha querido reservar en exclusiva, fundamentalmente los de la creación, y esto es debido a algo tan sencillo como es el papel comunicador del Arte, de transmisión de un pensamiento, de una ideología. si las mujeres pueden crear, pueden, y deben, trasmitir ideología.

Nada mas peligroso que una mujer que piensa.

Lo mejor es callarla, condenarla al ostracismo.

Sólo así los hombres estaremos seguros de nosotros mismos

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La mujer adúltera

Mientras tanto sigamos viéndola como el pecado y la tentación.

Arte y democracia

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Al comenzar mis trabajos de investigación, hace ya muchos años, descubrí algo que me hizo recapacitar en el momento y que ha marcado mi labor investigadora desde aquel momento. El Arte no está hecho para el pueblo. El Arte es la expresión de una élite y tiene como destinatario a esa misma élite. El pueblo común queda excluido del público al que va destinado. esto no quiere decir que al público se le prohiba verlo, todo lo contrario.

Esta reflexión me llevó a otra, no menos importante, los museos son una falacia. Son un almacén de objetos artísticos, descontextualizados, aislados y carentes de significado, que se muestran al público en un intento de mostrar lo que no se quiere mostrar.

Se hace hincapié en la percepción de la belleza, y se hace de ésta un fin en sí mismo, carente de significado alguno. No se me entienda mal. No estoy en contra de los museos, ni mucho menos. Aprecio el esfuerzo por salvaguardar un patrimonio, muchas veces en peligro de extinción. Aprecio el esfuerzo por tratar de inculcar la apreciación de la belleza. Incluso puedo llegar a apreciar ese uso fraudulento que se hace de los museos en viajes turísticos, convirtiendo la visita al museo en un auténtico rally. El Prado en una hora, el Louvre en dos, y los Museos Vaticanos en hora y media. Resulta patético estar en un museo contemplando una obra de arte y observar a las multitudes siguiendo al guía o la guía que les da una somera explicación general y después todos y todas se limitan a recorrer las salas para poder confirmar que se ha completado el rally. Pero no importa, a lo mejor algo queda, aunque no sea mas que el hábito de ir a un museo.

Pero para mi, lo auténticamente terrible es la concepción que en los museos, no todos, se tiene de las obras de arte. Estas obras forman parte de un contexto. En el momento en que fueron creadas, probablemente por la demanda de un comitente que la pagó, tenía un significado y un destinatario. Tenía una finalidad.OLYMPUS DIGITAL CAMERA

Contemplar esas obras fuera de su contexto, sin una explicación, sin un comentario, es traicionar la obra en sí. El arte hay que sentirlo, es cierto, pero el arte hay que comprenderlo.

Retomando el inicio de mi escrito, cuando comencé mis estudios e investigaciones, fundamentalmente sobre el significado de las fachadas, en distintos tiempos y lugares, llegué a la conclusión de que no estaban realizadas para ser comprendidas por el pueblo llano, que las contemplaba todos los días y a todas horas. Todo lo contrario. Estaban concebidas para hacer sentir a ese pueblo su ignorancia y su alejamiento de la clase dirigente. Para hacerles sentir que son pueblo, plebe, nada, nadie.

Mis estudios son un acto de rebeldía. Es intentar descifrar, intentar comprender algo que en su creación no estaba destinado a alguien como yo. Es luchar contra los poderes establecidos de todos los tiempos. Es luchar contra la discriminación. es conocer para ser libre. Y es que sólo el conocimiento nos hará libres. a ese conocimiento intento colaborar en la medida de mis conocimientos y de mis fuerzas. Para hacer que el conocimiento sea auténticamente democrático. espero conseguirlo de alguna manera.

¿Por qué el Arte?

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Parece no tener mucho sentido hacer esta pregunta. El Arte es vida, es emoción , es belleza, es sentimiento, es lo que puede completar la vida. No podemos concebir la vida sin el arte.

¿Cuántas veces hemos experimentado una emoción, hasta casi llegar a las lágrimas ante la contemplación de un obra de arte, como es por ejemplo la Pietá Rondamini?  ¿Cuántas veces una música nos ha transportado a un estado de ánimo totalmente alejado de las preocupaciones diarias, por ejemplo escuchando a Gorecki? ¿Acaso no nos hemos quedado sorprendidos por la pureza de líneas de un edificio contemporáneo?

Pero el Arte no es sólo eso, no es solamente emoción y sentimiento. No es sólo sensibilidad  ante la belleza. No es sólo el arrobo extasiado ante la trascendencia de una obra capaz de transportarnos a un mundo de belleza ideal. Claro que es todo eso, pero también es mucho mas. El Arte es un lenguaje, y como tal expresa un mensaje. La belleza es el envoltorio en que va envuelto ese mensaje. Al igual que la poesía son bellas palabras, estas expresan un mensaje. En el arte hay un contenido, un mensaje que hay que entender, que hay que valorar y que hay que asimilar.

Pocas veces, a lo largo de la historia el artista ha sido libre para expresar lo que el ha querido. Ha sido, libre, mas o menos, para expresar la idea que le han dado, de acuerdo a una técnica, a un oficio, pero han sido otros, los que le han dicho lo que debería representar. ¿Quien le ordena al artista lo que ha de representar? Lo que en el mundo del arte se denomina el comitente. El que manda, el que paga, el que contrata, el que tiene el dinero, y por tanto el poder.

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El arte, a lo largo de la historia, (incluso ahora) ha sido un instrumento del poder. No importa de qué poder. Del poder ideológico, político, económico, social, religioso, el poder. No es fácil escapar al poder, sea cual sea. Este intenta por todos los medios al alcance, que son muchos y variados, imponer sus criterios, su ideología, sus estructuras económicas.

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¿Qué intenta decirnos esa mujer desnuda, sosteniendo en su regazo una calavera?

Es la imagen de la adúltera, la que es obligada a convivir con la calavera de su amante. Es una imagen admonitoria, de advertencia, de los riesgos de no respetar las normas establecidas, de no llevar una vida santa, según los mandatos de la Iglesia Católica. Es la advertencia de la condenación eterna, del castigo.

En todo el arte hay una intencionalidad, una búsqueda de un fin establecido por el comitente. Es evidente, al tiempo que se ha de agradecer, que esta intencionalidad se envuelva en una gran dosis de belleza, pero no hemos de quedarnos ahí.

Durante la época del Romanticismo el Arte adquirir un hálito de espiritualidad y belleza. El famoso arte por el arte. Nada mas lejano de la realidad. El arte por el arte no existe, es una falacia. Las imágenes, el arte, nunca es inocente. Siempre va cargado de intención. Por ello, trascendiendo la belleza, la labor del historiado de arte, es desentrañar las intenciones últimas del comitente que encarga la obra. Apreciar la belleza, deleitarnos con ella, dejarnos seducir por ella, como Ulises con la voz de las sirenas, pero como él, no dejarnos arrastrar. Hay que buscar el sentido del arte.

En muchas ocasiones, el mensaje está en que no sepamos o damos apreciarlo. Rompamos esos límites y busquemos el sentido de la obra, incluso aquel que no estaba destinado a nosotros. Sólo así seremos capaces de entender la obra, y sólo así seremos libres para poder apreciarla. El conocimiento es lo único que nos hará libres, libres para disfrutar y libres para entender. Libres.

El castillo de Matrera:¿Restauración fallida?

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El denominado Castillo de Matrera, se halla situado en la Sierra del Pajarete, en el camino de Villamartín a Prado del Rey. De origen árabe fue mandado construir a finales del siglo IX por Omar Ben Hafsum, para defender la ciudad de Iptuci.

No quiero entrar en la descripción de la fortaleza, ni en el significado defensivo de la misma. Me gustaría centrarme en la polémica, surgida hace algunas semanas con motivo de la restauración llevada a cabo en el mismo.

La torre se encontraba en un pésimo estado de conservación, habiéndose perdido una gran parte de su estructura interna a causa de los sucesivos derrumbes, con gran pérdida de material.

El castillo, que actualmente se encuentra en manos privadas, es sometido a una restauración que ha levantado una enorme polvareda.

IMG_6707El estado de deterioro y abandono en que se encontraba el castillo, no permitía una restauración  de tipo historicista.

Aunque pueda resultar obvio, creemos necesario puntualizar un hecho, a todas luces claro. No es lo mismo una reconstrucción que una restauración. Resulta evidente que no es posible una reconstrucción. No sería lógico a estas alturas tratar de poner en funcionamiento una estructura que fue erigida en el siglo IX con una función defensiva, hija de unos momentos históricos muy específicos. Ni las técnicas actuales, ni la sociedad, ni lo que se demanda de la arquitectura tiene nada que ver con los condicionantes que hicieron necesaria la construcción del Castillo de Matrera en su momento.

En una restauración, lo que no se debe hacer nunca, es un engaño. Si se reconstruye el castillo, utilizando las piedras, tal como se hizo en su momento, se estaría engañando al espectador, haciendo ver una estructura, realizada en pleno siglo XXI, con técnicas de siglo IX, que tampoco sería el caso, ya que se utilizaría siempre técnicas muy diferentes.

Las diferentes Cartas de Restauro, desde la primera de Atenas de 1931, pasando por las de Roma o de Bolonia, todas ellas hacen hincapié en lo obvio, que lo restaurado debe diferenciarse perfectamente de lo original.

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La función de una restauración es, fundamentalmente, la consolidación de las estructuras existentes, y una vez realizado este paso, absolutamente necesario, restaurar con técnicas actuales, a fin de que nunca la restauración se pueda confundir con una reconstrucción a la manera original.

La restauración del Castillo de Matrera encaja perfectamente con estos parámetros exigidos por los organismo internacionales. Es una restauración valiente, que trata de salvaguardar los restos de las estructuras originales, pero apostando en las partes restauradas por unas líneas muy simples, buscando crear en el espectador la evocación de las primitivas estructuras, pero evitando siempre una posible confusión. Se huye de la utilización de la piedra vista, realizando la elevación de los muros en unos materiales actuales, buscando el blanco, propio de los pueblos de la región en que se encuentra ubicado el castillo.

He leído en los últimos días que el arquitecto Carlos Quevedo, autor  de la restauración del Castillo de Matrera opta al premio internacional de restauración A+Architizer, todo un referente.

Personalmente me gusta el  enfoque que se le ha dado a esta restauración, huyendo de enfoques historicistas, totalmente alejados de las nuevas tendencias. Entiendo que puede haber la nostalgia de las piedras derruidas, pero no es eso lo que se busca en una restauración, Restaurar es otra cosa.

Estamos un poco hartos de ver restauraciones en las que se han inventado prácticamente todo. Templos góticos, restaurados a la manera de, o monumentos romanos en los que se ha intentado que no se pueda distinguir lo original de lo restaurado. Enhorabuena por esta restauración.

Semana Santa y dudas

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Como cada año, cuando acaba la Semana Santa, me asaltan unas dudas que fráncamente no logro aclarar. Millones de personas se echan literalmente a la calle para presenciar o participar en unas manifestaciones que no me atrevo a calificar de religiosas, al menos en su totalidad.

En una sociedad cada día mas laica, mas desmoralizada, con menos fieles en las iglesias, con la Iglesia cada día mas cuestionada, con una exigencia ciudadana de eliminar la religión de las aulas, sin embargo las calles se llenan de cofradías que desfilan por las calles con miles de penitentes, nazarenos, etc.

Estoy de acuerdo que la Semana Santa constituye un magnífico espectáculo barroco. La Contrarreforma del Concilio de Trento, en su apoyo a las imágenes y a todas las manifestaciones externas, en contraposición a la reforma luterana, totalmente ausente de imágenes, saca a la calle una religiosidad popular que poco o nada tiene que ver con la verdadera religión. Hombres y mujeres que en su vida diaria apenas creen en Dios, o que no siquiera practican una mínima ética diaria, se emocionan, lloran, ante una imagen que sólo se ocupan de ver una vez al año, y que en nada afecta a u moral.

Es curioso como en la época de la dictadura franquicia, la Semana Santa sufrió un desgaste muy importante. Se identificaba religión con dictadura. Ahora, por el contrario, en una sociedad mas libre y laica, cada vez tienen mas importancia las diferentes cofradías y hermandades, que durante una semana ocupan las ciudades en una invasión consentida.

Reflexionando un poco sobre el espectáculo de la Semana Santa uno se da cuenta de que las ciudades y pueblos experimentan un incremento de la actividad económica. Bares, restaurantes, hoteles hacen en esta semana mas caja que en mucho meses. También sirve para que los vendedores ambulantes de chucherías, patatas fritas, algodón dulce y garrapiñadas, hagan su agosto en esta semana de primavera. No olvidemos los vendedores de flores y de cera.

Si el espectáculo sirve para que unas cuantas, unas muchas familias puedan vivir mejor, sea válida la Semana Santa. Lo único, o una de las cosas que pediría, (habría otras, pero ya hablaremos en otra ocasión) es que las diferentes hermandades no pongan en peligro el patrimonio artístico que poseen. Este año, salvo los primeros días, el tiempo ha respetado la salida de las imágenes, pero es terrible, se te encoge el corazón, cuando ves que con un riesgo alto de lluvia, algunos desaprensivos o desalmados, por el prurito de sacar a la calle su hermandad, arriesgan piezas de arte de incalculable valor, tallas que pueden ser de los siglos XVI, XVII o XVIII, con el peligro de que una lluvia deteriore de forma irremediable la obra.

Bien está que la Semana Santa sirva para dar de comer a la gente, pero no olvidemos que el Patrimonio artístico es propiedad de toda la comunidad, y nadie, ni sus dueños, tienen el derecho a ponerlo en peligro. Un poco de cabeza, por favor.

El arte de la política

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Aristóteles definía al hombre como un “Animal político”. Nada mas cierto. Todos y todas somos políticos. Pero como sucede en todos los ámbitos de la vida, la política se puede hacer bien o mal. Estoy hablando de Política, con mayúsculas, que considero como uno de los mas altas y excelsas de todas las artes que puede practicar el ser humano. en estos días que estamos asistiendo a la sesión de investidura en el Congreso, del candidato a presidente de España, me surge la duda de si la política es un arte o es una obra de teatro.

Se firma, por parte del candidato a presidente de gobierno un pacto que le proporciona una cifra de votos muy por debajo de la necesaria para conseguir la investidura, y rompe con los otros partidos que podían haberle proporcionado una cifra mayor, no una mayoría absoluta, pero si relativa.Es cierto que el candidato socialista tiene mas frentes abiertos, como es el de lidiar dentro de su propio partido, bastante conservador.

Ayer el Parlamento recobró la actividad propia de un parlamento, con réplicas y contrarréplicas, algunas mas afortunadas que otras, pero eso es la política. Tiene que estar viva. se cruzaron acusaciones muy duras que hacen pensar que no será posible un acuerdo. Pero si se repiten las elecciones, el resultado será igual o muy parecido, por lo que la situación puede prolongarse indefinidamente. a nadie favorecen unas nuevas elecciones.

Todo ello me lleva a pensar en algunas frases del gran maestro de los políticos, Nicolás Maquiavelo, cuya obra “El Príncipe” es el libro de cabecera de todas y todos los que se dedican a la política.

“De vez en cuando las palabras deben servir para ocultar los hechos”

“El fin justifica los medios”

Yo, que soy de naturaleza optimista, confío en la inteligencia de aquellos y aquellas que nos gobiernan, o que amenos lo intentan. No creo que nadie busque el suicidio, aunque sea el político. Todos lo actos y sobre todo las palabras de estos hombres y mujeres que vimos ayer en el hemiciclo tienen un fin, una rentabilidad. Lo que me lleva a pensar en otra gran profesión a la que se pueden dedicar nuestros políticos: el teatro. ¿Y si todo está hablado, atado y bien atado, como diría el general de nefasta memoria? ¿Y si todo es una puesta en escena, encaminada a contentar, uno a sus barones, otros a sus bases y votantes, y algún otro a su ego? ¿Y si el acuerdo ya está, incluso firmado, o no, no conviene dejar huella, y nos van a vender el acuerdo, in extremis, sobre el toque de campana, como la única solución para salvar España?

Es evidente que el fin justifica los medios.

¿Que tien mas arte, la política o el teatro?

Esperaremos. Todo se resuelve la próxima semana. O no.